SYNAPSES 0 program from 17.07 to 31.07


SYNAPSES 0  is the first edition of a program made with the willingness and obstinacy to occupy Dawawine’s rooms and minds. During two weeks we will be putting the 2nd floor to good use after long periods of useless and useful considerations.
With the conscious yet disorderly participation of: Semaan Khawam, Chantal Partamian, Raed Rafei, Rania Rafei, Maya Chami, Lynn Kodeih, Julien Boutros, Sharif Sehnaoui, Nour Ouayda, Rami Sabbagh, Khodor Ellaik, Sara Sehnaoui, Farah Nehme, Dia Batal, Oscar de Xyzpert, Rayya Badran, Philip Rizk, Jasmina Metwaly.
As well as the involuntary participation of filmmakers and writers whose works we are borrowing to better understand ourselves. You’ll find them in the program. 
This project is made possible with the direct and indirect involvement of Dawawine’s support group.
Read below the program of Synapses 0 (listed in chronological order). The program includes works in Arabic, French and English.
Participation fees: free entrance. Warning: seats may be limited, come early. 
Selected playlists of different music genres will be playing throughout the program: by Rayya Badran starting from July 19th, by Oscar de Gisput starting from July 22nd,  and Sharif Sehnaoui starting from July 30th.


AU QUOTIDEN, de Maya Chami et Farah Nehme (2016, Liban, 4 min. French and Arabic)

“La pièce aborde les sujets d’oppression et d’agression que les femmes subissent chaque jour, au niveau de l’expression, la vie, la féminité, la progéniture, le mouvement, et la sexualité. Le projet est un acte de résistance pour récupèrer l’intégralité de l’être féminin.”

WHAT MYRIAM DID NOT FORGET, de Dia Batal et Maya Chami (2015, Lebanon/Palestine, 12 min. Arabic. Eng. subtitles)

Part of her ‘Tracing Landscape’ project, this is a short animated film in which the story of Batal’s grandmother is unfolded through the fragmented narratives of a journey of displacement. The artists use drawings and text to trace over elements of Myriam’s story, and her enumerating of what she had left behind, and witnessed after she was forced to leave her home in Palestine, and never able to return.

FARAH NEHME est metteur en scène et comédienne. Au quotidien est son premier projet d’art graphique.

MAYA CHAMI pratique les arts graphiques et numériques,

DIA BATAL is a visual artist. The multidisciplinary work she produces is context specific and often enables audience to engage with it. Dia uses Arabic language in a free style calligraphy to create artworks that echo cultural and contemporary concerns into our urban public, and private spaces.

Sun. 17th, Tue.19th, Thu. 21st, Fri. 29th, Sat. 30th 5 to 8 p.m.

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SEMAAN KHAWAM is a writer, poet and painter. His paintings are exhibited in many cities across different countries. He published a book with Amers Editions in 2010 and collaborates occasionally with Dawawine.

Sun. 17th 4 p.m. (until July 31st.)

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CINEMATIC DRIFTS // DÉRIVES CINÉMATOGRAPHIQUES, avec Nour Ouayda (le texte intégral ici)

“Une programmation de films et de discussions qui gravitent autour de la dérive au cinéma. Il s’agit de regarder le cinéma à travers le prisme de la dérive pour concevoir une théorie et une pratique de la dérive cinématographique. Cette recherche envisage la dérive comme une posture qui, pour rependre Debord, consiste à « se laisser aller aux sollicitations du terrain et des rencontres qui y correspondent ».

Mardi 19 à 18h :Présentation et discussion

1.Wandering, drifting, practicing space: the walker as a figure, from Benjamin to The Situationists and De Certeau // Flâner, dériver, pratiquer l’espace : de la figure du marcheur chez Benjamin, les Situationnistes et De Certeau.

 Mercredi 20 à 18h: Présentation et discussion        

        2.Drifting as form, performing a space // La forme-dérive, performer l’espace.


Tue. 19th & Wed.20th

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ONE FACE TOO MANY by Khodor Ellaik

12 artworks, published by Amers Editions.

Original artworks will be exhibited.

We’ll celebrate with Khodor Ellaik and guest musicians playing live for the occasion.

KHODOR ELLAIK has been jumping mediums since he was a toddler. With no solid commitments, he’s settling for music for now.

Thu 21st at 6 p.m.

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LECTURES SY3 Théâtre post-moderne et contemporain

Avec Julien Boutros, Odette Makhlouf et Hiba Najem.

Des textes de:

Harold Pinter, “A Kind of Alaska” (in ENGLISH)
Yasmina Reza, “Bella Figura” (en français)
Lars Noren, “La Nuit mère du jour” (en francais)Harold Pinter, Yasmina Reza et Lars Noren

Vendredi 22 de 17h à 19h30

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PROJECTIONS dans le cadre de DÉRIVES CINÉMATOGRAPHIQUES avec Nour Ouayda (voir plus haut).

3.La forme-dérive, surface et matière // Drifting as form, surface and materiality
Autour du cinéma expérimental montréalais // Around experimental cinema in Montreal

LUNAR ALMANAC – Malena Szlam – 2013 – 4 min – Silent
– Erin Weisgerber – 2014 – 5 min – Sound
– Karl Lemieux – 2007 – 9 min – Sound
– Steven Woloshen – 2013 – 10 min – Sound
– Phillippe Léonard – 2014 – 3 min – Silent
– Alexandre Larose – 2014 – 10 min – Silent

The indicated formats are the orignal formats in which the films where produced.
Due to the technical limitations for this event, the works in this program that are originally screened in film will be presented in digital format.

Vendredi 22 à 20h

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PROJECTION dans le cadre de DÉRIVES CINÉMATOGRAPHIQUES avec Nour Ouayda (voir plus haut).

4.“Écouter l’espace”: le geste filmique de la dérive // Hearing the space or drifting as a cinematic gesture

UN AMOUR D’ÉTÉ [A Summer Love]de Jean-François Lesage (2015, Canada, 1h03)

Dimanche 24 à 20h

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LECTURE ET DISCUSSION dans le cadre de DÉRIVES CINÉMATOGRAPHIQUES avec Nour Ouayda (voir plus haut).

4.“Écouter l’espace”: le geste filmique de la dérive // Hearing the space or drifting as a cinematic gesture.

De l’éblouissement. Autour d’un texte de Térésa Faucon // Glares and blinding lights: discussing a text by Térésa Faucon

Mardi 26 à 18h

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DEUS EX MACHINA – VARIATION 03, by Lynn Kodeih (2016, Lebanon, 6 min. Eng.)

Deus Ex Machina – Variation 03 reflects on the current historical moment: the persistence of life in the aftermath of the violent conflict at the dawn of a new era. The work constructs figurative and abstract associations of love and loss, cycles of life and death, maternalism and nature – as an eminence of a protracted apocalypse, in order to speculate on the future of humanity.

LYNN KODEIH works with text, video, and performance to explore science and fiction, the normalization of violence, and past and present mythologies.

Sun. 24th 5 to 7:30 p.m.,  Tue. 26th 4:30 to 6:30 p.m., Wed. 27th & Thu. 28th 6:30 to 9 p.m. 

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MOVIE SCREENING (in presence of filmmaker Raed Rafei)

74, THE RECONSTITUTION OF A STRUGGLE, directed by Rania Rafei and Raed Rafei, (2012, Lebanon, 1h40min. Arabic, Eng. Subtitles )

1974. Lebanon is in intellectual, cultural and political ferment. Between March and April, for 37 days, a few students from the American University of Beirut occupy the university’s premises to protest against rising tuition fees. 2011: in the midst of the Arab Spring, Rania and Raed Rafei decide to step back and reconsider today’s situation in the light of that period which was pregnant with hope, but also a prelude to civil war.

Produced by Orjouane Production, Jinane Dagher & Sabine Sidawi-Hamdan

RAED RAFEI is an independent filmmaker and writer. He is interested in fiction, reality and things in between. Filmography includes: “Prologue” (2011), “74 -The Reconstitution of a Struggle” (2012), “Salam” (2016), “Here I am … Here you are – Eccomi … Eccoti” (2016)

RANIA RAFEI is a Lebanese filmmaker, “74, the reconstitution of a struggle”, is her first feature.

Tuesday 26th July at 8 p.m. 

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Avec Sara Sehnaoui et Ghalas Charara

Fabriquer les scènes et les plans : écrits et dits de Raoul Coutard, de Bruno Nuytten, de Bernard Marie Koltès, de Marc Augé, et d’autres.

Jeudi 28 de 17h à 19h30

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14 REELS, A SUPER8 DIGITAL SCREENINGAn anthology movie by Massimo Bacigalupo, Astrid Carlen-Helmer, Luca Chinaglia, Tonino De Bernardi, Boris Lehman, Julien Lingelser, Alina Marazzi, Davorin Marc, Roberto Nanni, Chantal Partamian, Jaap Pieters, Joana Preiss, Mirco Santi and Guido Tosi (2016, 51min.)

With live music performance by Sharif Sehnaoui.

14 reels were distributed to 14 directors in 14 cities around the world to celebrate the Super8 50th anniversary. The full movie is shown in each of the cities with live music.

CHANTAL PARTAMIAN is a filmmaker whose work tends to revolve around issues of identity, gender, migration and space. She works a lot with the super 8mm format and explores guerrilla filmmaking and reading film through a gendered lens.

Produced by Barnabil Produzioni. Co-produced by Home Movies – Archivio Nazionale del Film di Famiglia – Six Gates Films – La Camera Ottica – C.R.E.A.

Friday 29th at 7:30 p.m.

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OUT ON THE STREET, directed by Philip Rizk and Jasmina Metwaly (2015, Egypt, 1h12min. Arabic, Eng. Subtitles)

The idea for Out on the Street emerged out of a sense of limitation in making documentaries. It is a film about a group of workers from one of Egypt’s working class neighborhoods, Helwan. On a rooftop studio overlooking the heart of Cairo -presented as a space between fact and fiction- the participants move in and out of character as they shape the performance that engage their daily realities: factory injustice, police brutality, courts that fabricate criminal charges and countless tales of corruption and exploitation by their capitalist employers.

RIZK and J. METWALY “We’ve been working together on short videos since 2011, filming on the streets, in factories, joining marches and sit-ins in cities across Egypt in an attempt not only to document but to propogate the spirit of a wide variety of struggles. (…) With time two things changed in our method of film-making. One, the street changed, with the re-encroachment of the old regime we lost the bit of control of the street that we had gained in the previous years of protesting. Second, and more importantly, the imagination for the emergence of something new was crushed.”

Sat. 30th at 7:30 p.m.

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Three short films by three ephemeral filmmakers and namesakes.

Light Rope Impro, by Oscar Callahan. 3 min. – Super8 – silent – color – 1988

Oscar CALLAHAN was an amateur filmmaker active in Los Angeles in the late 80’s. According to testimonies by people who never met him, he was able to make objects come to life by the sole power of his super8 camera’s imagination. In 1988 he entered an old abandoned military gym to shoot what would become his last, posthumous movie and the only one that has survived to the date, Light Rope Impro. He is believed to have melted in white light in the very second the film roll ended.

Manifiesto Turista, by Jan Oskar Lukas von Kreuzberg. 8 min. – DV Quicktime – sound – color – 2006

Jan Oskar Lukas VON KREUZBERG was a three-headed filmmonster born and perished in Berlin in the lapse of three days in 2006. Each of its three heads is said to have been able to respectively talk and act, see and shoot, hear and edit. During its short life, it engendered a single filmic creature, Manifiesto Turista, a jest on the History as a tourist attraction. After delivery, its three heads were severed from the body and deposited in three different countries, which prevented further regeneration and ensured an end to its existence.

Videocancer, by Oscar Kranc. 8 min. – DV Quicktime – silent – color & b/w – 2010

Oscar KRANC was born between the lines of a poem by Aaron Malakian. He died shortly after birth of an electronic degenerative disease. Videocancer is the clinical report of this self-annihilation process as well as Kranc’s only proof of existence.

Sun. 31st at 8 p.m.


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الوسيط السمعي ـبصري كعامل سرديّ

بالعودة الى أولى سنوات السينما، نرى أن تأريخ هذه الفترة انشغل بمعظمه في البحث عن محطّات تطوير “اللغة السينمائية”.

وبغضّ النظر عن إشكاليات التأريخ وما يسمّى “تطوّر” أو “لغة سينمائية”، نلاحظ أنّ معظم المؤرّخين طرحوا معياراً واضحاً في تأريخهم: إكتشاف قدرة الوسيط على التأليف السردي، إذ تهيمن على كتب “السينما البدائية” تواريخ تجارب صانعي الأفلام في تطوير هذه القدرة.

وتدريجياً، نرى أن شكل التأليف السردي أصبح موظّفاً بشكل أساسي لسرد القصص. إلى أن حَصَر التأليف فالتوليف السردي للقصص (Storytelling) ، كل إمكانيات السينما بالنطق بعوالم الإنسان (الخارجية والداخلية) من خلال الصورة وحركة الزمان والمكان.

يطرح المؤرّخ ومنظّر السينما الأميركي توم غانينغ (Tom Gunning)، في دراسته للسنوات العشر الأولى للسينما (1896-1906)، شكلاً مغايراً لعلاقة الأفلام مع الجمهور يختلف عن الذي نراه في “سينما سرد القصص”، تحت عنوان/لقب “سينما الجذب”، منطلقاً من نظريات السينمائي السوڤياتي سيرغي أيزنشتاين عن “التوليف – الجذب”.

يقترح غانينغ أن ما يجمع أعمال العديد من سينمائيي تلك الحقبة، من التسجيليّة (أعمال الأخوين لوميار) الى المتخيّلة (اعمال جورج ميلياز المنسوجة من الخيال Fiction) – سردية كانت أو متجنّبة للسرد- ليس السرد القصصي، بل اعتماد شتّى انواع التقنيات لجذب المشاهدين والاحتفاظ بانتباههم. فكلّ من هذه الأعمال يخلق منظومة إستعراضية، هدفها إظهار قدرات السينما على تمثيل الواقع و/أو خلق أوهامٍ بصريّة تلفت إنتباه المشاهدين. هي منظومة لا تروي حدثاً بل تُظهره مظهرةً قدرة السينما على نقله، إن كان مشهداً واقعيّاً إكزوتيكيّاً (لوميار) أو مشهداً متخيّلاً (ميلياز).

لا يخفى أن ما ساعد على إنشاء هذه العلاقة هو اهتمام الجمهور في الفترة الاولى من الانتاج السينمائي بهذا الإختراع الجديد – السينماتوغراف – والذهول أمام اكتشاف قدرة هذه الآلة على نقل حركة الحياة صورةً وإيقاعاً.

وفي هذا الإطار، يرى غانينغ أن سمة هذه الأفلام هي استعرائية الوسيط عندما كشف نفسه وقدراته أمام الجمهور، في وقت تتجنب سينما سرد القصص هذا الاستعراء وتستبدله بعلاقة المتلصّص على المشهد-الحدث.

ويتابع غانينغ أن هذه السمات لم تختفِ بعد سيطرة سينما السرد القصصي، بل “انتقلت الى الطبقة السفلية من السرد” (It went underground)، لكي تخلق لاحقاً اهتماماً عند السينمائيين الطليعيين في العشرينات، والتجريبيين في سينما الخمسينات والستينات الهامشيّة (underground cinema).

ويشير الى انها تعود لتظهر على سطح السرد من حين الى آخر في السينما التقليدية، متناولاً مثال الممثّل/الشخصية حين ينظر إلى الكاميرا مخاطباً الجمهور، أو مشاهد الرقص في السينما الاستعراضية.

نقترح في هذه الحلقة مجموعة من الافلام التي لا تكتفي باستعمال الوسيط السمعي- البصري أداةً للسرد، بل تجعله إما موضوعاً أو نواةً للحبكة القصصية، كاستعمال الشريط الصوتي في فيلميّ “الحوار” لفرنسيس فورد كوبولا و”بيروت اللقاء” لبرهان علوية.

نرى في هذه الأفلام استعادة لبعض سماة “سينما الجذب”، إذ تَكشف قدرات الوسيط السينمائي على خلق توليف سمعي- بصري، يعيد تمثيل الواقع ومغايرته أحياناً، مكرّسةً صفة الخالق عند السينمائي. وهذا أمر كان ومازال له أبعاده السياسية والفلسفية المنشودة عند معظم سينمائيي هذه الحلقة (دزيغا فيرتوف، جان لوك غودار، برهان علويّة، فرنسيس فورد كوبولا، ستان بريكيدج..).

ويتشابه هؤلاء مع سينمائيي “سينما الجذب” من خلال ثقتهم باهتمام الجمهور بأمور خارجة عن السرد القصصي التقليدي، كاهتمام المشاهد/ة بمعرفة القدرات التقنية للسينما، والذهول أمام الاحتمالات التشكيلية في السرد والصورة/الصوت المطروحة عبر هذه التقنيات. وهذا ما يختلف عن انغماس الجمهور المعهود في متابعة القصة.

ويمكن القول أن هؤلاء السينمائيين يطرحون توجهات ثقافية وفلسفية وسياسية، يختبرون فيها علاقة جديدة مع المشاهد، مترقّبين اهتمام الجمهور ودهشته.

فمنهم من يترقّب وعي الجمهور للقدرات السياسية للسينما (فيرتوف، غودار)، ومنهم من يطرح تأثيرها على الجمهور (كروننبرغ، كوبولا)، في حين يذهب المخرج برهان علوية في فيلم”بيروت اللقاء” الى “فضح” السينما، في محاولة لفضح مشاعرنا.

رامي الصبّاغ، أيّار\مايو ٢٠١٦

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WHEN THE VOICE TAKES ON A BODY عندما يتّخِذُ الصوتُ جسداً

تقديم بحث للفنّان علي شرّي، الجمعة في ١٥ نيسان، الساعة ٨ م.

Presentation by Ali Cherri , Friday 15th, 8 p.m

يسرّنا في دواوين أن نستضيف تقديم بحث للفنّان علي شرّي، من ضمن برامج السينما المقبلة في دواوين، ومن ضمن مختارات أفلام تتناول تضمين الوسيط الفيلميّ و/أو الصوتي في سردِ أو تشكيليّةِ سلطان العمل المُصَوَّر.

علي شرّي فنّان يعمل مجاليّ الفيديو والفنون البصريّة. يقوم حاليّاً ببحثٍ مع المركز الوطنيّ الفرنسيّ للأبحاث الوقائيّة في علم الآثار والمعهد الألمااني لعلم الآثار حول مكانة الغرض الأثريّ في بناء السرد القوميّ التاريخيّ.

تتضمّن آخر أعماله “لكنّ ثمّة عاصفة تهبّ من الجنّة” غوغنهايم نيويورك ٢٠١٦، “تصنيف علميّ للمغالاطات: حياة أشياء ميتة” معرض فردي في متحف سرسق، بيروت ٢٠١٦، “ماديّة غير المرئيّ” سانكاتر، باريس ٢٠١٦، “ذي تايم إيز أَوت أُوف جوينت” الشارقة ٢٠١٦. يسكن ويعمل في بيروت وباريس.

عن التقديم:

“في التجهيز “صلات مغناطيسيّة” (٢٠١٣)، تتواجه مسجّلتا صوت لاجراء حوار ما بين حبيبين. بعد أَخْذِهِ من “بيروت اللقاء” لبرهان علويّة، يطرح التجهيز فضاءً مغايراً لحوار البطلين الحبيبين، عبر سلخه من الشريط الصوتيّ الخاص بالفيلم ووضعه في جهاز مكوّن من ماكينات شرائط مسجّلة وبثّ عروض بصريّة. يضحي الحوارُ المطابقَ الفضائيَّ لتركيبِ لقطة/لقطة معاكسة يتخلّلها أداء مسجّل لأصوات، ومؤثرات تكرار الصوت المؤخَّر، وأداء الأصوات تراكماً.”

متخّذاً من هذا العمل الذي قدّم ضمن فعاليّات دريم ماشين ٢ في بيروت، سيتحدّث شرّي عن تجسيد الصوت البشريّ في الفيلم.

لغة التقديم: العربيّة.


Image from the installation Magnetic Liaisons (2013), Ali Cherri

As part of its upcoming cinema program, a selection of movies dealing with incorporating the sonic and/or filmic media in the narration or the plasticity of the film realm, Dawawine is pleased to host a research presentation by artist Ali Cherri.

Ali CHERRI is a video and visual artist based in Beirut and Paris. He is currently conducting a research with the French National Institute for Preventive Archaeological Research (INRAP) and the Deutsche Aarchäologische Institut (DAI) on the place of the archeological object in the construction of national historical narratives.

His recent exhibitions include “But a Storm Is Blowing from Paradise” Guggenheim New York (2016), “A Taxonomy of Fallacies: The Life of Dead Objects” solo exhibition at Sursock Museum, Beirut (2016), “Matérialité de l’Invisible” Centquatre, Paris (2016), “The Time is out of Joint” Sharjah Art Space (2016), “Earth and Ever After” Saudi Art Council, Jeddah (2016), “Desires and Necessities” MACBA, Spain (2015); “Lest the Two Seas Meet” Warsaw Museum of Modern Art, Poland (2015); “Mare Medi Terra” Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Spain (2015); “Songs of Loss and Songs of Love” Gwangju Museum of Art, South Korea (2014). 

About the presentation

“In the installation Magnetic Liaisons (2013), two tape machines facing each other stand in for a dialogue between two lovers. Lifted from Borhan Alaouie’s Beyrouth la rencontre (Beirut al Liqaa), the installation spatialises the protagonists’ lovesick conversation by uprooting it from the film soundtrack and staging it, instead, in an apparatus comprised of tape decks and a visual projection. The conversation becomes the spatial equivalent of a shot/countershot set-up combining playback, delay, and overlapping.”

Taking as a starting point this work presented as part of “The Dream Machine 2 – Beirut Festival of Audio-Visual Arts”, Ali Cherri will be giving an artist’s talk on the embodiment of voice in film.

Presentation will be in spoken Arabic

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Sept. 8th – Oct. 11th 2016 

Main Language of instruction: English (Instructor is fluent in French and Arabic as well)

“Having developed a special screenwriting instructional method, I am eager to work with students and professionals interested in screenwriting, and guide them to finding their own personal well of stories. This initial workshop is tailored to beginners in the field.

The workshop is structured around written exercises, based on objects, text, poetry, music, photographs, and paintings which open up visual and emotional memory, stimulate the imagination and  enable the writer to narrate in an audio-visual language.

Each class session will focus on developing the various structural tools which the screenwriter needs in order to write stimulating and captivating stories, through a short lecture, a small selection of short films. in-class writing, and discussion.

In-class discussions around the material developed is essential, as we all strive to make each others’ stories more compelling and dynamic.

This workshop should enable you to tap into your well of stories, to bring to the surface and the page elements which have left an imprint on you, and might very well be the reason behind your venturing into storytelling or the arts.

The participants will come out of this workshop with a repertoire of characters, plots, scenes, partial scripts which can eventually be the seeds of future work.

About me, May Kassem, the instructor

I graduated from Brown University’s Modern Culture and Media Department with a B.A. in Art Semiotics. In 1998, I completed an intensive course in Screenwriting through the FEMIS in Lebanon “PROFFIL” (Programme de Formation à la Fiction Longue) under the direction of FEMIS Screenwriting Department Director, Marie-Geneviève Ripeau. I got my Masters degree in Film: directing from USJ’s IESAV faculty.

I was consequently awarded the Fonds Sud Cinema fund for my feature film script “et je m’en vais vers la mer ouverte”, based on my experience growing up in war-torn Beirut, the violence of which my father attenuated through storytelling, music, and art.

I have been teaching screenwriting since 1999, and have worked as a photographer, filmmaker, animator, radio producer and screenwriter. I have made a number of documentaries, animated and short films which have shown in festivals in Lebanon and abroad. Most notable are Joker (1998), a docu-fiction I made about migrant Syrian construction workers which has shown in New York, London, Berlin, Beirut, and Ibiza. Asifa-East has showcased some of my animated work, including “Surveyed Liberty” (2004). My short experimental documentary “96.2.1” was screened at the Lebanese Film Festival 2014. The second chapter of which “96.2.2” screened at VideoWorks 2015

I have just completed a feature documentary based on the life of actress and singer Nourhane who was active in the 1940s, 50s, and 60s, who had suddenly quit the stage, and who is my grandmother, and am working on the 3rd chapter of the radio series, as well as editing a video piece about the social movement in Beirut.”

6 p.m. – 9 p.m.

Sept: Thu. 8th, Tue. 13th, Thu. 15th, Tue. 20th, Thu. 22nd, Tue. 27th, Thu. 29th & Oct: Tue. 4th, Thu. 6th, Tue. 11th

FEES: 25o $


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at 2 p.m.

Ute Wassermann: vocals

Raed Yassin: composition, cooking

True to its tradition, Irtijal proposes an entirely different and unexpected collaboration, with this duo combining the cooking talents of Raed Yassin, manning kitchen utensils rather than musical instruments, and the vocal acrobatics of vocal artist Ute Wassermann.

raed_yassinYassin graduated from the theatre department at the Institute of Fine Arts in Beirut in 2003. He has exhibited and performed in numerous museums, festivals and venues across Europe, the Middle East, the United States and Japan, and received several awards and prizes, notably the Abraaj Capital Art Prize in 2012. Yassin is one of the organizers of Irtijal Festival, and founded the prominent Annihaya Records label in 2009.

speakeasy_rs269_072_uw_lWassermann studied sound installation and vocal performance as well classical singing. Since 1984 she has developed several multi-voiced vocal techniques, catalogued by register, timbre and articulative sequences which may be deconstructed and/or superimposed and used to explore spatial resonance phenomena. She has given numerous performances of her own solo work and performs regularly with many improvising musicians, in venues ranging from lofts to international festivals (Japan, Australia, Hong Kong, Buenos Aires…).


irtijal_2016_logoIrtijal has achieved considerable growth during its 15 years of existence, going from a one-day festival in 2001 to 4-6 days since 2003; the number of concerts has grown from 4 to 20, while that of international guest artists from 5 to 30. Over the past 15 years Irtijal has unquestionably inscribed itself as the main annual event for new and innovative music in the Lebanese artistic scene, and is rightly considered as the largest structure of its kind in the Arab world.

For the current edition, the festival presents a dense program that revolves around Germany’s thriving experimental music scene, as seen through the eyes of two of our most notorious Lebanese musical expats: Mazen Kerbaj and Rabih Beaini, both currently residing in Berlin, and who collaborated on the curation of this year’s astoundingly rich edition, from vocal ensemble Neue Vocalsolisten Stuttgart’s revisiting of Zad Moultaka’s compositions to the alien Asian punk of Indonesian duo Senyawa.

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ÉCOUTER LE THÉÂTRE CONTEMPORAIN : Hoda Barakat, Martin Crimp, Aiat Fayez, Sarah Kane, Darina al Joundi, Yasmina Reza

IMG_0191En collaboration avec Julien Boutros

Les dimanches 20 et 27 mars, de 18h à 20h 

Nous commençons une série de lectures, de mise en espace, et de discussions autour d’écritures théâtrales contemporaines.

Les écrivains choisis pour ces deux premiers rendez-vous sont
Hoda Barakat (Liban)
Martin Crimp (Grande Bretagne)
Aiat Fayez (France)
Sarah Kane (Grande Bretagne )
Darina al Joundi (Liban)
Yasmina Reza (France)


Lectures en français, en anglais et en arabe.
Durée approximative
1h15min. le 20 mars, 1h30 min. le 27 mars

Mariam Ramy Comédienne, chanteuse et enseignante de théâtre à l’International Collège depuis 2009.

Raghda Mouawad Comédienne et enseignante de théâtre à l’International Collège depuis 2009.

Julien Boutros Metteur en scène, enseignant de théâtre. Depuis 2007, il a trois pièces de théâtre à son actif.

Odette Makhlouf Écrivaine et réalisatrice: “Le mur” court-métrage 2012. À son actif aussi  “شوف وجكن بخير” un livre de photo récemment publié.

Sara Sehnaoui Auteur et éditrice (Amers Editions), fondatrice de Dawawine.

Né en 1979, Aiat Fayez, iranien d’origine, suit des études de philosophie à Paris. Il quitte la France en 2010 et s’installe à Vienne en Autriche où il se consacre à l’écriture de romans et de pièces de théâtre. Ses trois romans sont publiés chez P.O.L : Cycles des manières de mourir (2009), Terre vaine (2012) et Un autre (2014). L’Arche publie sa première pièce de théâtre Les Corps étrangers en 2011. 

Les corps étrangers. Le mythe de l’étranger connaît comme chaque mythe mille et une versions. Aiat Fayez fut un étranger en France et il l’est resté après avoir quitté ce pays. Voici quatre scènes qui jettent une fascinante lumière sur cette incompatibilité. Sous quatre angles successifs, Aiat Fayez observe des choses que nous ne pouvions voir avec nos yeux. C’est pour cela que nous avons besoin des siens.


Darina al Joundi est une actrice de cinéma et de théâtre syro-libanaise née en 1968 à Beyrouth, d’une mère libanaise chiite, travaillant à la radio et d’un père syrien laïc, réfugié politique et journaliste.Elle est également auteur de scénarios et de concepts télévisés. Elle commence à jouer dès l’âge de huit ans et depuis elle ne cesse de passer devant et derrière la caméra.

Le jour où Nina Simone a cessé de chanter. Darina al-Joundi raconte toute l’histoire du Liban contemporain concentrée en l’histoire d’une personne, fidèle au rêve persistant d’un père journaliste et écrivain pour qui la liberté n’est pas négociable. Ce rêve va pourtant se fracasser sur la violence et la haine de la guerre civile, là où tout devient possible, le sexe défie la peur, la drogue défie la vie, le refus de toutes les règles sociales et des convenances religieuses défie une société qui va se venger durement contre la jeune insoumise…


Martin Crimp Depuis les années 1990, Martin Crimp s’est fait reconnaître comme un des grands auteurs du paysage dramatique européen. Marqué par Beckett et Pinter, mais aussi par Duras, son théâtre est tendu par une cruauté en sourdine, aux éclats parfois ravageurs.

The City. Dans La Ville, Clair est traductrice, Christopher informaticien. Alors qu’elle rencontre un auteur, il perd son travail. De crissement en déséquilibre, leur vie de couple se lézarde ; par ces brèches s’infiltre la violence extérieure, dont ils semblaient protégés. À moins que leur difficulté d’être ensemble ne soit que la caisse de résonance du monde qui les entoure ? Un monde où on est licencié d’un jour à l’autre, où les guerres lointaines font peser leur hantise, une société en paix où tout, pourtant, est dominé par la peur.


Hoda Barakat, est une écrivaine née au Liban en 1952. Ses romans sont écrits en arabe et traduits en français chez Actes Sud. Considérée comme l’une des grandes écrivaines de langue arabe, elle a obtenu de nombreux prix littéraires, dont le prestigieux prix Naguib Mahfouz. Installée depuis de nombreuses années en France, Hoda Barakat a également été pendant plusieurs années la directrice de l’information à Radio Orient.

Viva la diva C’est une femme qui parle (cette femme sans nom, sans deuil, sans rôles, sans espace), se confond avec ses reflets. Lesquels reflets s’incarnent en personnages du théâtre avant de s’évanouir dans ses limbes. Les histoires, petites ou grandes, intimes ou collectives, vécues ou fantasmées, réelles ou théâtrales, de se croiser et se déliter, de s’imbriquer et se dissoudre, sans jamais cesser de se regarder. Résultat : un jeu de miroirs qui se réfléchissent à l’infini.


Sarah Kane est née le 3 février 1971 à Brentwood dans l’Essex. En cinq courtes pièces, Sarah Kane est entrée de plein droit et de manière fracassante dans le Parthénon des grands dramaturges britanniques de cette seconde moitié du vingtième siècle.

4.48 Psychose Figure sulfureuse de la dramaturgie britannique, Sarah Kane signe avec 4.48 Psychose un chant du cygne d’une beauté aussi dangereuse que fascinante. Derrière les éclats poétiques d’un texte fragmentaire et novateur émerge la voix d’une femme qui veut regarder la mort en face pour rester intègre avec elle-même, sans se conformer à un discours dominant qui marginalise tout ce qui s’écarte de ses normes.

Purifiés Trois personnages se trouvent enfermés dans un univers concentrationnaire fantasmagorique. Interviennent des scènes de confusion mentale interpersonnelle. Scènes générées par l’angoisse et la souffrance extrême dans lesquelles sont plongés les personnages en quête désespérée d’identité.


Yasmina Reza Née en 1959 à Paris d’un père russo-iranien ingénieur et d’une mère hongroise violoniste, Yasmina Reza est aujourd’hui l’auteure française contemporaine la plus jouée dans le monde. Pièces de théâtre, romans, scénarios, essais, récits… L’œuvre de Yasmina Reza est très variée.

À partir d’un fait divers du quotidien, Le Dieu du carnage de Yasmina Reza met en évidence, avec un humour grinçant, les paradoxes de la condition humaine: l’égoïsme et la générosité, la responsabilité et l’indifférence, la politesse et la brutalité, le futile et le grave.



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SUPER 8 days with Chantal Partamian open to public

2015 marked 50 years of the super 8mm. Super 8 film is a magical medium; it seems to be infused with layers of emotions and some kind of transcendental power. It is a limited medium, one that was mostly used for home movies or underground art. Once its limitations are understood, once the delusions of complicated techniques and high expectations are put aside, super 8mm can become a wonderful medium. To me, at least, it is one that taught me to be humble, to choose, to tell a story in 3 minutes and to know the importance of every single frame. A big part of creating such an event in Dawawine is the immense love of sharing some of the movie magic, some of that projector sound and light beam, but also to place at your disposal a small time machine that will enable you to view, perhaps for the first time, some of the memories a parent, a cousin, a sibling, once captured. Furthermore, it will also be a space where we will project some of the movies and short films by renowned directors shot on the small format. C. Partamian

ختمت سنة ٢٠١٥ مرور ٥٠ عاماً على بداية أفلام السوبر ٨ ملم. فيلم الـسوبر ٨ وسيط سحريّ؛ أوَ كأنّ أحدهم بعَثَ فيه رَكباً من الأحاسيس والقوّة المتساميّة. وسيط محدودٌ، غالب استخداماته لم تتخطّى الأفلام المنزليّة وأعمال فنّون الهامش. بيد أنّ لحظة ما نفهم محدوديّته، ونضع جانباً أي التباس حول آمال عالية في تقنّيّات معقّدة، يصبح السوبر ٨ وسيطاً رائعاً. علّمني هذا الوسيط أن أكون متواضعة، أن اختار، أن أحكي قصّة في ٣ دائق وأن أقدّر قيمة كلّ صورة. إحدى أهمّ الأسباب لإقامة حدث كهذا في دواوين هو ذلك الحبّ الشاسع لمشاركة البعض من سحر الأفلام، ومن صوت آلة العرض ونورها الملقى، ولكن أيضاً ليتاح لكم آلةُ زمنٍ صغيرة تخوّلكم بأن تروا، ربّما للمرّة الأولى، بضعة ذكرياتٍ كان أحد الأهل أو الأقارب قدّ حفظها هنا. بالإضافة لكونه فرصة لنا لنعرض بعض الأفلام والأعمال القصيرة التي صوّرها مخرجون معروفون على هذا الوسيط. ش. بارتميان

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RENCONTRE AVEC KHIEM DO Autour de ses romans et des villes

Samedi 31 oct.  à 17 h

LA PRAXIS DU DOCTEUR YOV  Roman, 2015, Riveneuve éditions

Bruce est un jeune routard américain, vaguement photographe de presse, qui a  « égaré » sa fiancée vietnamienne pendant la chute de Saigon en avril 1975. Décidé à ne pas commettre la même erreur une deuxième fois – et même à se racheter – il part à Beyrouth pendant le siège israélien en juin 1982 pour voler au secours d’une jeune libanaise qu’il a brièvement connue à Los Angeles. Il y a beaucoup de parallèles, de retours en arrière et bien sûr, c’est écrit d’avance et même téléphoné : cela va se terminer tout aussi mal, sinon pire.


Do Kh. (Khiem Do) est né à Haiphong, au Vietnam du Nord en 1955, lieu et date charnières de l’histoire de la colonisation : suite à l’échec français à Điện Biên Phủ et à la conférence de Genève en 1954 qui divise le pays en deux, ce port est l’ultime point d’évacuation des réfugiés pour le Sud.

Il a grandi au Sud à Saigon, puis ensuite à Paris.

En 1974, Do Kh. retourne au Vietnam du Sud, s’engage dans les rangs de l’armée du Sud et participe de justesse a la dernière année de cette longue guerre.

Il s’installe de nouveau en France en 1975, puis aux Etats Unis où il mène des études cinématographiques. Do Kh. a réalisé deux films documentaires, « Liban, une chronique d’été », sur les l’invasion israélienne  de 1982, puis « Transit à Hong Kong », un film sur les boat people vietnamiens.

En 1991, son récit « Journal de France » fut la première œuvre d’un écrivain de la diaspora à être publié au Vietnam même.

Actif aussi sur la toile, Do Kh. était le principal contributeur du magazine web Talawas où il publiait surtout des essais.

Sous un nom d’emprunt, Do Kh. a tenu pendant deux ans une rubrique hebdomadaire dans Saigon Giai Phong, le journal du Parti à Ho Chi Minh Ville.

Ses nouvelles et poèmes ont été publiés en Français, Anglais, Allemand et Serbo-Croate.

Do Kh. a traduit en français Juillet de Phan Thi Vang Anh, et en vietnamien Ode pour hâter la venue du printemps, de Jean Ristat.

Khmer Boléro, son premier roman écrit en français a été publié en 2013, suivi de Saigon Samedi  en 2014.

La praxis du docteur Yov, écrit aussi en français,  est publié en 2015 chez Riveneuve.

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Raed Yassin: screenings and conversation with Vartan Avakian and Rami Sabbagh

The AIF, in collaboration with Dawawine, presents an evening of early to recent short films by Raed Yassin,  followed by a conversation between the artists, Vartan Avakian and Rami Sabbagh.  

This event will be followed by an artist talk, ‘Archive as Burden’, next Friday, November 6 at the Arab Image Foundation.

It all began on a train trip to Tiblisi. Actually, it began before that, but a soviet-era train wagon makes for a good setting for a script. Fifteen years ago, Vartan Avakian, Rami Sabbagh and Raed Yassin got drunk on their way to show their graduation short films at the Tbilisi International Film Festival. Between them they shared fascinations with Paradjanov, Peleshian and Tarkovski. But that’s not even half of the story. Their journey between film and video, fiction and reality as well as language, the sublime and the banal could have not been defined by this journey, But let’s say it was.

still from "Karaoke", 2015

still from “Karaoke”, 2015

Raed Yassin, born in Beirut, 1979. He graduated from the theatre department at the Institute of Fine Arts in Beirut in 2003. An artist and musician, Yassin’s work often originates from an examination of his personal narratives and their workings within a collective history, through the lens of consumer culture and mass production. He has exhibited and performed his work in numerous museums, festivals and venues across Europe, the Middle East, the United States and Japan,Yassin was awarded the Fidus Prize (2009), the Abraaj Capital Art Prize (2012). Yassin is one of the organizers of IRTIJAL Festival, and has released several music albums and founded the production company Annihaya in 2009. He is also a founding member of “Atfal Ahdath” a Beirut based art collective. He currently lives and works in Beirut and represented by Kalfayan Galleries (Athens–Thessaloniki)

About the videos

BEIRUT, 2003, DVcam, 15 min.

Beirut is a documentary on the marginal characters living in the city’s peripheries. A horse race gambler, a pigeon raiser, a squatter, a fisherman, and a street racer speak about their passions for risk, habit, occupation, and speed. Patient or restless, they occupy the sea but also the rooftops, watching over the waking hours of the city and the somnambulant wanderings of its citizens. Each hobby has its proper terminology, and every obsessive his way of circumventing the conventional flows of city life. Yassin employs simple techniques such as monochromes and slow-motion to accentuate the habitual gestures of these figures, fabricating a playful, fast-paced, and cut-up ode to Beirut, which I imagine to be itself a suburb to an imaginary city

THE NEW FILM, 2008, DVcam, VCD, 12 min.

The New Film is Yassin’s tribute to his (post-war Lebanese) generation’s enthrallment with icons of popular culture, lo-fi technologies and Egypt’s faltering film industry. After watching hundreds of low-quality and cheap video compact discs (VCD’s) of feature films produced during Egyptian president Hosni Mubarak’s reign (1981-2011), Yassin used found footage sourced from the films to stitch together a 12-minute single channel video.

Ubiquitously sold on the streets of Cairo, VCD’s have become the prime medium for distributing old and new Arabic films, more specifically Egyptian ones – widely watched in the Arab world. The New Film is composed of a string of roughly edited movie scenes set in police stations and government offices, in which (obligatory) portraits of Mubarak hang on the walls. The video also draws out other tropes that characterize these structures of policing and bureaucracy (the police station, the official’s office, the interrogatory room…). For instance, it constructs a sonic strip of insults and abuse that run through innumerable films, uttered directly or over the phone. At other times, it pastes together spatial leitmotifs from these rooms such as desks and long meeting tables. But Mubarak’s portrait is always there, somewhere in the background, suspended over every conversation and decision. However, as film repeatedly exhibits, a portrait hanging on the walls of police stations is not always that of a man in power, but also that of a fugitive or a criminal. A suspect. And so, The New Film changes route, halfway through the film, and becomes a trailer for The Suspect (1981)starring the Egyptian comedian Adel Imam, who, since his debut in the sixties as a sidekick, has achieved cult status. The insert is a playful homage to Imam, the antihero who outsmarts the institution. Moreover, the interruption is a reference to the notorious practice of sandwiching movie trailers within films – popularized in the VCD industry by film producers in order to maximize exposure at the expense of the film’s integrity. With a soundtrack that alternates between movie-dialogue staccato and a political shaabi song about American-Egyptian relations,The New Film is a commentary on (inter)national power dynamics and the impact popular cinema has on building collective memory in the Arab world.

DISCO, 2010, DVcam, VHS, 5 min. 30 sec.

Disco tells the story of the artists’ father, a disco-addict and a fashion designer who leaves his family to find work abroad, eventually becoming a film star in the Egyptian horror industry. This quickly spirals into a fiction, however, in which the father becomes Egyptian film star Mahmoud Yassin (who shares the director’s family name). The interplay of image and text explores a generation’s fascination with celebrity, forging a story about abandonment, voyage, longing, and stardom.

KARAOKE, 2015, VHS, 8mm, 22 min.

Karaoke begins as a story about childhood rivalries and a mother’s innocent mistake, causing pre-pubescent dreams of becoming a child star to be devastated and crushed – silently and without incident. Until one day, when those feelings of resentment suddenly rise back to the surface upon watching a wandering VHS tape, on which the scene of a star-studded concert takes place. Alongside this grainy colorful footage, the details of that dreaded day begin to reveal themselves, while the hips of a belly dancer shake, or an angelic voice woos an applauding audience. Gradually, the narrative transforms from an adorable episode from infancy, to a deeply personal and tragic portrayal of memory, loss, and the towering figure that is the mother.

More about the artist and collaborators:

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Le cinéma chorégraphiquement

Si l’on regarde le cinéma à travers le prisme de la danse, on aperçoit des intentions dans les détails des corps, ce que provoquent leurs présences au-delà de leur parole et de leurs actes, on s’attache à leurs façons d’être, de se mettre debout, de déambuler, d’habiter un cadre ou, inversement, de marquer leur propre absence d’un plan.

Ce programme se veut une piste de lecture et d’analyse pour le spectateur autant que pour celui/celle travaillant dans le cinéma, afin de considérer la danse comme une matière à réflexion autant dans les autres disciplines que dans les œuvres de son propre champ.

Le cinéma et la danse se sont depuis longtemps influencés, nourris l’un l’autre, puisant dans ce que ce qu’ils ont en commun : le temps et le mouvement.

Les relations entretenues par ces deux disciplines se sont manifestées très tôt avec Loie Fuller, exécutant la Danse Serpentine captée en 1897-1899 et colorisée au pinceau. Depuis, de multiples formes ont été rendues possibles, menant au travail d’Yvonne Rainer, chorégraphe et ensuite cinéaste qui a tantôt filmé des parties de corps en mouvement, tantôt mis des films sur scène, et à l’hommage de Wim Wenders rendu à Pina Bausch en 3D.

Parmi les œuvres où danse et cinéma sont le plus explicitement liés, on trouve les comédies musicales, nombreuses à énumérer, qui ont également évolué au fil de l’histoire ; nommons entre autre West Side Story ou encore les films de Jacques Demy et quelques décennies plus tard, Dancer in the Dark de Lars Von Trier.

En d’autres lieux, la danse venait s’insérer dans des films pour révéler de manière plus poétique ou parfois plus abstraite d’autres facettes des personnages, sous l’angle du corps social (Bande à Part, Jean-Luc Godard), ou bien celui plus intime (les films de Leos Carax).

Toutefois, même lorsqu’il ne s’agit pas d’une scène de « danse », on retrouve dans certains films une sensation chorégraphique pour reprendre l’expression de Robert Bonamy : « Cette sensation chorégraphique, fondée sur peu de chose, ne passe donc pas essentiellement par un mouvement corporel, mais par un geste cinématographique.». Moins flagrant, mais tout aussi pertinent, on trouve des rapports plus subtils ; les gros plans détaillant les corps (les mains chez Robert Bresson), le déplacement des personnages devenu une chorégraphie spatiale (L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais).

Ni scènes de danse ni numéros de danseurs donc, nous avons choisi des films où les qualités de la danse interviennent et forment un seul corps, entier, avec le film.

Du « porté » du poids du corps de la mère sur le dos de son fils chez Sokourov à l’absence de la résistance face à la force des vagues chez Pelechian, du corps sous un plafond toujours plus bas et plus serré chez Manuel de Oliveira, jusqu’à la course de Michael Pitt interprétant Kurt Cobain chez Gus Van Sant.

Lors de ces séances, réunissant chacune un film de danse/ou autour de la danse, et un film de cinéma, nous vous proposons d’observer quelques-uns de ces rapports subtils, sensibles et réfléchis.

Danya Hammoud, Beyrouth, 2015


Deuxième séance :

AT LAND (1944)
de Maya Deren
15 min. Noir et blanc

de Babette Mangolte
7 min. Noir et blanc

de Artavazd Pelechian
30 min. Noir et blanc

Dans cette deuxième séance, nous découvrirons, entre autres pistes de réflexion, trois points communs aux trois films proposés : En premier lieu le rapport aux éléments eau et terre, ensuite le mouvement continu du corps qui devient lui-même la ligne directrice, la dramaturgie principale, et le troisième point étant un effet, le ralenti.

Le premier film, At Land, de Maya Deren qui a réalisé de nombreux courts-métrages d’inspiration surréaliste et psychanalytique, est le passage d’un élément vers un autre, de la mer à la terre, mais même en dehors de l’eau, les mouvements du corps sont toujours comme sous l’eau. Deren lie les différents espaces du film par le mouvement du corps, qui devient par conséquent le premier fil conducteur.

Le deuxième film est réalisé par Babette Mangolte, qui a souvent travaillé avec des danseurs dans les années 70 à new York, comme Trisha Brown et Yvonne Rainer entre autres. Dans ce court, elle a filmé “Watermotor“, un solo de la danseuse et chorégraphe américaine Trisha Brown, où le corps est agi par l’eau, et parfois même l’incarne, mais cette fois-ci dans un studio de danse où l’élément concret est absent. Mangolte a montré ce solo en « slow motion », voulant ainsi révéler le plus de détails possible. Un outil simple et conventionnel certes, mais dans le cadre de notre programmation ces deux temps (temps réel/temps étiré), nous permettrons d’analyser la chorégraphie de Brown, le choix de ce déséquilibre perpétuel ainsi que l’engagement de la totalité du corps.

Le troisième film, du cinéaste Artavazd Pelechian s’intitule Les Saisons. D’un printemps à l’autre, la vie de bergers arméniens. Une série de descentes, dans l’eau comme sur la pierre. Ce film est un poème écrit par le mouvement des corps.

“[…] L’inertie lente et aventureuse d’une transhumance, des corps en apesanteur, comme passant, infiniment, par-dessus les terres, ou par-dessus les flots, méprisant tous les ancrages, une vision ludique, apaisée, de la moisson et de la fenaison, et ce rythme, surtout, ce rythme qui nourrit l’émotion, sans discours et sans commentaire, et qui fait de toute épreuve le témoignage d’un humanisme salutaire et sublime.” Pierre Arbus

L’eau ; force et fluidité. Un élément auquel on ne peut pas résister, un élément qui prend en charge le poids du corps et le rend flottant.

Lorsque cet élément n’est pas rendu pas visible par le corps lui-même, c’est la caméra qui prend le relais.

Suite à la projection de ces trois films, nous discuterons des points mentionnés ci-dessus, ainsi que d’autres questions liées à cette programmation: les rapports subtils et sensibles entre la danse et le cinéma.

Au plaisir de partager cette séance avec vous,

Danya Hammoud


Première séance :

de Jean-Daniel Pollet
20 min.

de Claire Denis
92 min.
Langue française, sous-titres anglais


BEAU TRAVAIL Claire Denis a travaillé pour ce film avec le chorégraphe Bernardo Montet ; scènes de repassage de chemises, de légionnaires qui s’entraînent, qui font leur lit…Des gestes de leur quotidien certes, mais qui une fois mis en lumière, à travers un travail fait sur le corps des acteurs ainsi que le choix du cadre, de la durée, font qu’ils s’élèvent à un autre rang de sens et d’interprétation.

« Il a travaillé avec eux comme seul un danseur peut le faire : pas pour mimer quelque chose ou obtenir un résultat, mais pour être tout le temps vigilant. […] Avec Bernardo, nous avons progressivement repéré des gestes afin de les travailler. L’idée n’était pas de faire cinq cents pompes, mais de pouvoir être debout, assis…C’est aussi comment mentalement on comprend qu’il faut trois plus à une chemise ». C. Denis

dans, Cinéma et Danse (Sensibles entrelacs), coord. par Didier Coureau et Patrick Louguet,  Éd. L’Harmattan, page 256.


« À propos du film “Beau travail” il y aurait beaucoup de choses à dire. […]

Tout d’abord c’est l’histoire d’une rencontre avec une cinéaste, Claire Denis, qui connaît et aime la danse contemporaine.

Le film se passe à Djibouti dans une mer de roche volcanique, loin de tout et de tous. Cela favorise un rapport au vide, au néant, au microscopique comme à l’infiniment grand, à l’humain dans sa considération physique et métaphysique.

C’est ainsi  qu’au début, dans le film,  les soldats, les bras en l’air flottant entre ciel et terre sur la musique de Benjamin Britten, “exécutent” une danse que l’on a appelé ” la danse de l’herbe”. C’était pour moi rappeler que tout être, aussi guerrier soit-il, est avant tout vulnérable. Ce soldat ne fait qu’un avec la nature, ce qui sépare l’extérieur de son intérieur, c’est sa peau. Une sorte de “dissection d’un homme armé”. Tous les mouvements de combat du film sont inefficaces, inopérants.

On a travaillé pendant un mois dans un studio à Paris, une sorte d’anti-chambre du tournage qui allait suivre à Djibouti. C’est durant cette période que les acteurs ont traversé les fondements qui ont servi le film par la suite.

Il me semblait important par rapport à la thématique du film que ces guerriers soient dans le trouble de l’éloignement, de la séparation d’un monde connu. Car pour les légionnaires, la légion devient leur nouvelle patrie. L’appartenance au territoire, à la famille n’est plus la valeur référente. Comme si l’origine n’existait pas, qu’il fallait l’inventer . Il fallait que la narration se déplace dans le film par le mouvement des corps, par la danse.

Le rapport au temps, à l’espace, au regard, à l’abandon, au rituel, à la jouissance, au plaisir, à la sensualité, à l’étreinte, à la mort…Autant de sujets, de matières qui ont été abordés par les acteurs durant ce tournage….

Il y aurait beaucoup à dire encore.

Bien à vous.

Bernardo »

Bernardo Montet, février 2015, extrait d’une correspondance avec Danya Hammoud



Ça s’arrêterait là.

Juste dire “pourvu qu’on ai l’ivresse”, et ce qui suivrait n’importerait pas, ou plus.

Disons que le mouvement d’avoir l’ivresse serait une totalité, un ensemble. Les causes et les conséquences ici n’attendraient pas de justification, et les intentions pourraient se délayer naturellement. On en dirait autant sur les trajectoires répétées par Claude Melki, le personnage principal, le temps de ce court-métrage : des causes sans conséquences et des conséquences sans conséquences, un trajet ininterrompu d’un corps qui se porte ça et là.

L’instrument de la dérive de cette ivresse chez Pollet est la salle de bal, conteneur de corps-couples. Un cadre où ils vont par deux, ou deux par seuls. Le cinéaste, cadré et cadrant, mêlé à eux, suit surtout son acteur, sans but autre que souhaiter l’ivresse dans son corps et transmettre ce souhait par le corps et par cette poursuite, d’un corps vers d’autres, d’un regard vers d’autres.

Tout ce monde s’assemble comme une petite société, portée par le rythme d’une discographie (d’une dansographie) successive, un microcosme au sein duquel la figure de Melki, stationnant et se déplaçant, mesure son envie, encadre comme il peut les autres, danseurs ou guetteurs.

Sara Sehnaoui, Beyrouth, 2015





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